viernes, 25 de febrero de 2011

Introducción

El arte del Siglo XX estuvo influenciado por la situación política y social.La ilustración,había creado un sentimiento de confianza en el ser humano mientas que la razón y la ciencia habían entrado en crisis.
Las dos guerras mundiales marcaron un clima tenso y  La crisis europeas y la crisis de la bolsa estadounidense impactaron en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta.
Es una época de grandes cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances  como el automóvil,el avión,la televisión,la llegada del hombre a la luna,etc.
Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad.El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte,por ejemplo en el arte pop y se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX:
Las vanguardias y el arte post moderno.

Las vanguardias históricas

Durante el siglo XX nacieron importantes movimientos artísticos que han cambiado el concepto de lo que es el arte y  lo que se considera o no obra de arte .
Primera mitad del siglo XX                                              Segunda mitad del siglo XX         
-Fovismo                                                                        -El Movimiento Moderno
-Cubismo                                                                        -Arte pop
-Futurismo                                                                      -Arte interactivo
-Pintura naíf                                                                    -Videoarte
-Pintura metafísica
-Dadaísmo
-Surrealismo
-Arte abstracto
-Arte abstracto
-Rayonismo
-Suprematismo
-Neoplasticismo
-Expresionismo abstracto
-Informalismo
-Op art
-Arte cinético
-Escultura abstracta
-Movimiento Moderno

El Fovismo

Es un movimiento pictórico nacido en Francia en 1905, caracterizado por el uso del color.Se puede considerar la primera vanguardia del siglo XX.
El nombre procede del término francés fauve que significa fiera.Se originó cuando un grupo de pintores expusieron por primera vez sus obras, de fuerte colorido y el crítico Louis Vauxcelles dio su critica sobre la exposición. Los pintores afectados adoptaron esta calificación despectiva como nombre del movimiento.
A comienzos del siglo el impresionismose había convertido en la pintura oficial, había entrado en la Academia y sus cuadros estaban colgados en todos los museos.En 1905 surge un nuevo movimiento rupturista. Los primeros fovistas exponen en la Sala de los Independientes. Pintores como Matisse, Marquet, Derain, Vláminck o Manguin hacen del color su fuente de rebeldía. Utilizan un color vivo y arbitrario, a la manera de los nabís, pero más radicalmente y Utilizan una pincelada ancha . Todo ello en contra de la estética que venía imperando desde el Renacimiento. 
Las influencias del estilo se extendieron internacionalmente afectando a autores como Vasily Kandinsky o Alexei Jawlensky.
Sin embargo el éxito de la corriente en 1906, no fue muy larga pues el empuje del cubismo, nacido al año siguiente, atrajo a muchos de sus autores.


                

El Cubismo

El cubismo es un movimiento artístico que se dio en la pintura, aunque también en otras artes como la literatura o la escultura. El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista  y conseguir plasmar sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde varios ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión.
Se caracteriza por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luis Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.
 Su visión es tan distinta que conmocionó a todo el mundo del arte.Se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética.Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos pero el cubismo rompe con todo.


                                

El Futurismo

El futurismo fue un movimiento artístico fundado por el poeta Marinetti.El es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define a través del Manifiesto Futurista.
Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado,condenan a los museos y pretenden valoran la originalidad por encima de todo.
Fue un movimiento que intentó abarcar todas las artes: la poesía, el teatro, la prosa, la música, la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía,el cine y naturalmente la política. Marinetti se vinculó al fascismo en 1919, representando el lado moderno del arte del régimen mussolininiano.
 El Futurismo no se desarrolló hasta que un grupo de artistas firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas, seguido del Manifiesto técnico y otros. 
El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Tiene aspiraciones de ruptura total con el pasado, con lo burgués y académico, con la tradición y la belleza clásica. Estas ideas permiten que en su desarrollo encontremos desde posiciones anarquizantes hasta las claramente fascistas.

                                            

El Naif

las pinturas Naíf son fundamentalmente estáticas y figurativas, entroncan directamente con el simbolismo.
Se presentan como fruto de la intuición personal, suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas del campo o lugares salvajes.De ahí su cierta ingenuidad en la composición y el dibujo.
No constituye un movimiento sino una serie de individualidades en diferentes países, aunque con características comunes.
Dentro de la pintura naíf destacan:
Henri Rousseau: La encantadora de serpientes, El aduanero, El niño de las rocas, La gitana dormida.
Camile Bombois: El atleta foráneo.
Fernando Botero: La familia Pinzón.
André Duranton: Gato.
Félix Vallontton: El sueño, El rapto de Europa.

                                           

La Metafísica

La pintura Metafísica es la representación estudiada del mundo onírico.Su carácter estático la enfrenta con el futurismo. Presenta perspectivas trazadas en las que se sitúan figuras despersonalizadas dentro de una realidad sin vida.
Dentro de la pintura metafísica, encontramos a Giorgio de Chirico, que es su representante más destacado. Sus obras se caracterizan por la geometría arquitectónica, los volúmenes sencillos, una cierta ingenuidad y los climas oníricos.
Sus obras desprenden soledad, combinadas con figuras de maniquíes y estatuas: Héctor y Andrómaca, Estatua silenciosa, Plaza de Italia, Interior metafísico con pequeña fábrica, La recompensa del adivino.
También están Carlo Carrà: El gentil hombre borracho, Ídolo hermafrodita, El caballero de occidente, y Giorgio Morandi: Naturaleza muerta con caracolas, Naturaleza muerta, que son otros dos destacados representantes de la pintura Metafísica.

                      

El Dadaísmo

Terminada la Primera Guerra Mundial surgió un movimiento artistico revolucionario, altamente imaginativo. Este movimiento se denominó Dadá.
El Dadá es el movimiento más internacional de todas las vanguardias históricas. En realidad es una actitud ante el arte. Nace en Zúrich en 1916 y rápidamente se extiende por toda Europa y Estados Unidos. Se caracteriza por su nihilismo filosófico, producido por el horror de la guerra y el desencanto de la humanidad.
Los dadaístas consideraban al arte como un gran liberador de ataduras que restringían la expresión humana.
El inicio de las actividades de este movimiento se ubican en el Cabaret Voltaire en Zúrich,, que acogía a refugiados políticos de la Gran Guerra, amparados en la neutralidad suiza.El 8 de febrero de 1916 se funda el movimiento y, para darle nombre, tomaron un abrecartas y lo introdujeron al azar en un diccionario Larousse, apareciendo la palabra Dada.
 El azar es uno de los motores de inspiración del arte dadá.La obra es escogida o encontrada, más que hecha. Esto es un insulto al arte que venía haciéndose hasta ahora, en el que el artista hacía el esfuerzo de construir la obra, es la negación del arte. Este concepto será transcendental en el arte contemporáneo.
Tras un periodo de expresión crítica ante las instituciones sociales y políticas marcado por diversos inconvenientes, los integrantes fundadores toman una decisión muy a su estilo.


                                            

jueves, 24 de febrero de 2011

El Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico y literario que nace en Francia hacia 1920. Surge como un intento de reacción positiva frente a la destrucción llevada a cabo por los dadaístas.
Son como  la creación de la irracionalidad, los sueños y los instintos como motivos de inspiración para el artista, por lo que podemos encontrar en los caprichos de Goya, en la interpretación de los sueños.
El Surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias históricas.Los poetas adoptaron la palabra surrealismo para definir un método de escritura simultánea con el que estaban experimentando:
Surrealismo: Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas...
Surgió por tanto un  movimiento literario en el que pintura y escultura eran concebidas como consecuencias de la poesía.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, del dictado del pensamiento subconsciente
Al contrario que otros movimientos, el surrealismo no crea una estética uniforme y se debate entre la abstracción formal.
A partir de 1925 surgen actitudes políticas y sociales dentro del Surrealismo, provocadas por el estallido de la guerra de Marruecos, se producen entonces los primeros contactos con los comunistas que culminarían en  al partido comunista.


           

El Arte Abstracto

Surgió alrededor de 1910 y por múltimples consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas. El arte abstracto deja de considerar la necesidad de la representación figurativa y la sustituye por un lenguaje visual autónomo.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica , o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea, con el concepto y la belleza.
A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.


                       

El Rayonismo

El Rayonismo es el último estadio del futurism.Sin embargo, difícilmente se observa ninguna figura.
Publicará su manifiesto en Moscú 1913.
Pretenden representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos y es la época en la que se descubren los rayos X y la radiactividad.
Sus representantes son Mijaíl Larionov, (1881-1964) Rayonismo rojo, Luz de la calle, y Natalia Goncharova, (1883-1962) La electricidad, Bosque verde.
Su influencia se extenderá hasta la obra de Jackson Pollock, Ojos en la cabeza y Georges Mathieu, Capetos por todas partes.


                              

El Supermatismo

El suprematismo se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos.
Kasimir Malevich (1878-1935) es el gran pintor abstracto ruso.
Su obra es muy fecunda, y participa de varios movimientos.
Su obra abstracta crece tras la Revolución rusa,Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pintura suprematista sin título.
Su estilo servirá para hacer carteles propagandísticos.


                            

El Neoplásticismo

La estética de Piet Mondrian (1872-1944) se conoce con el nombre de neoplásticismo que se emparenta con el suprematismo ruso.
Sus obras se caracterizan por las formas ortogonales, verticales y horizontales, las líneas gruesas y los colores planos.
Piet Mondrian utilizó principios geométricos en el análisis de la estructura interna de las cosas, lo que lo llevó a reducirlas y yendo aún más lejos, redujo todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal (formando ángulos rectos) y todos los colores a los tres primarios, a la composición de la obra. La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza.


              

El Expresionismo abstracto

Es un estilo pictórico que se relaciona con la deformación de las figuras que inicia el expresionismo, y que nos lleva a la desaparición total de la forma.
El cuadro se convierte en una masa informe de color y líneas.
Entre los pintores del expresionismo abstracto tenemos a Arshile Gorky: Cascada, Willem Kooning: Mujer y bicicleta, Paul Jackson Pollock: Ojos en la cabeza, Catedral, Georges Mathieu: Capetos por todas partes, Jean Dubuffet: La mesa, Compañera constante y Philip Guston: El retorno.


                         

El Informalismo

En el Informalismo se pone de relieve la expresividad de los materiales, sin necesidad de figuración.
La forma desaparece totalmente, tanto la figurativa como la geométrica.
Entre ellos destacan Antoni Tàpies: Pintura 1957, Pintura abstracta, Gran escuadra, Cornelis van Beverloo: Juego del sol en las olas, Jean Dubuffet: La mesa, compañera constante, Jean Fautrier: La judía.


                                       

El Op-art

Tras la segunda guerra mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa.
En sus obras buscan el principio y el fin.
El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
En el op-art encontramos a Victor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Briget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón.


                                   

miércoles, 23 de febrero de 2011

El Movimiento moderno

Fue una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales.
Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, la ausencia de decoración en las fachadas, y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero.
Por extensión se conoce como movimiento moderno a todas las artes que aparecen después de las vanguardias históricas y hasta los años 90 del siglo XX.


                                         

El Arte cinético

El arte cinético es la escultura del movimiento. Hacia 1922 surge una nueva forma de entender la escultura que pretende abandonar el estatismo de la escultura tradicional.
 Aparecen, así, los móviles, que se harían tan populares despues de  la segunda guerra mundial.
Para sus obras utilizan todo tipo de materiales, como chatarra, que una vez pintada tiende a perder la tercera dimensión para ser vistos desde un solo punto. Se identifican con la pintura, se simplifican las formas y se tiende a la abstracción pura. Este movimiento está muy vinculado a la Bauhaus.
Una vez superado su impacto inicial, el arte cinético ha entrado en los hogares de gracias a los móviles de vivos colores que se colgaron encima de las cunas de los bebés, y en los juguetes de movimiento que se pusieron de moda en la década de los 80.
En el arte cinético encontramos a escultores como Laszlo Moholy-Nagy: Moduladores del espacio, Man Ray: Objeto de construcción, Alexander Rodchenko: Construcciones colgantes, Marta Boto: Rotaciones cinéticas, Anillos en movimiento, Nicolás Schoeffer: Efectos de luces sobre prisma de hielo, Gregorio Vardenaga: Rotaciones cinéticas, y Alexander Calder: Móvil estable.



                                

La Escultura abstracta

La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.
Entre los cultores de la escultura destacan Georges Vantongerloo, que intenta la codificación matemática de los volúmenes: Relación de volúmenes, y Theo van Doesburg: Monumento a Leenvardem.
Antoine Pevsner (1884-1965) es el escultor más representativo: Proyección en el espacio, Construcción cinética, Visión Espectral, Naum Gabo: Cabeza de mujer, Celuloide y metal, Eduardo Chillida, con sus esculturas monumentales: El peine de los vientos, El elogio al horizonte, Tres hierros y Julio González.

 

martes, 22 de febrero de 2011

Los pintores más significativos son Guillermo Pérez Villalta y Miguel Barceló. Villalta emplea las perspectivas al modo clásico y un mundo de personajes extraídos de la antigua cultura romana.
Miguel Barceló utiliza una figuración deformada y desenfada, claramente expresionista, que refuerza con una gran dosis de calidad matérica, para dar a la textura una dimensión trascendente.

Tras su éxito en la Documenta de Kassel de 1982, ha alcanzado gran proyección internacional.


Arquitectura Postmoderno de Aldo Rossi

La Postmodernidad

En un primer momento, el expresionismo, el cubismo, y todas las vanguardias, tuvieron que enfrentarse a un público hostil y reacio. Pero tras la primera mitad de siglo, estos movimientos revolucionarios, ganaron prestigio social y fueron admitidos en las academias. Es lo que conocemos como el triunfo de la modernidad.
A partir de entonces, comenzó a considerarse la modernidad como un fenómeno perteneciente al pasado.
El Postmodernismo es, por tanto, lo posterior a lo moderno. Se desarrolla en la década de los 80, aunque venía gestándose desde los 70. Recoge detalles de obras anteriores, recicla técnicas, ideologías y temáticas de otros movimientos.
Como la propia sociedad se ha convertido en algo complejo y caótico, al arte, que es un reflejo de la misma.
Por tanto, el arte de los últimos tiempos se caracterizará por la diversidad de las opciones.
David Salle, es una de las figuras más conocidas de la postmodernidad plástica. Utiliza imágenes pop junto a motivos del comic o de la tradición artística.
Lo que más llama la atención son las imágenes conocidas que aparecen en sus cuadros que dan la sensación de estar intencionalmente mal pintadas. En cuanto a la composición, parece torpe. Las imágenes se superponen unas con otras, como si el cuadro no terminara de ser considerado como una unidad espacial, sino como una superficie sobre la que se pueden disponer las imágenes sacadas de otra parte.
A partir de estas citas en las que recoge diversos estilos, realiza obras muy personales.

domingo, 20 de febrero de 2011

La Arquitectura postmoderna

Es una tendencia arquitectónica que reacciona contra los principios del movimiento moderno.
Presenta una gran diversidad tanto desde el punto de vista formal como teórico, agrupándose bajo esta denominación fenómenos muy dispares.
Todos ellos, tienen en común, los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico y estilo Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma que la forma es consecuencia de la función, la planta libre y la desnudez ornamental.
La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida del mundo actual.
Los arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias históricas.
Los postmodernos emplearán los órdenes clásicos, ya que así contradicen a la modernidad que los había rechazado, haciendo una llamada burlesca a una cultura pasada.
Las figuras más destacadas son Michael Graves, Charles W. Moore, Robert Ventura o Aldo Rossi.
Ventura propone el edificio anuncio, que se compone de un contenedor en el que se desarrollan las actividades propias de su función y de una fachada que se levanta como un inmenso cartel publicitario.
Lo que caracteriza a un edificio es la vestimenta, la ornamentación, el interior es simplemente algo funcional, ya que la comunicabilidad de la arquitectura reside en la fachada.
Aldo Rossi es el más famoso de los teóricos de la postmodernidad. En sus construcciones destaca la repetición y sus formas monumentales y simples (cúbicas), pero en el exterior, emplea materiales lujosos y de color y exhibe motivos figurativos e historicistas.

Arquitectura Postmoderno de Aldo Rossi